王嘉驥以美國詩人華特．惠特曼（Walt Whitman）的開悟之作《自我之歌》（Song of Myself），作為現年82歲的藝術家顧福生此次在誠品畫廊的回顧展覽名稱，十分貼近他為自我創作與人生說過的一段話：「假如每個人都必須選擇一種生活方式，畫畫就是我全部的生活，我的思想在裡面，我的情感在裡面，我的生活細節全部都在裡面。」而為了回顧這段歷程，在原遭醫生診斷僅存四個月時間的癌症病情下，將數百件尚未在台灣展出過的作品從美國工作室寄回台灣，委託合作多年的好友趙琍代為處理。出於此故，有了這檔被藝術家視為今生可能最後一次的個展。
雖然策展人曾在2008年為藝術家個展時寫過策展論述，但直到近期方有機會書寫顧福生作品全集的專文與整理，也陰錯陽差地有了機會協助趙琍挑選這次展出的油畫作品。原訂40件，但後來考慮回顧展須照顧方方面面的性質，以及藝術家受限於多數時候沒有個人獨立的畫室，和作品擺放的空間，總是畫完了就拆掉內框，致使積累了相當豐富且驚人的創作量。再者，之前在台展出較鎖定在短期創作，且礙於風氣不如今日開放，因而再追加20件，規畫出依不同階段旅寓區分的七個時期：台灣（1956-1961）、法國（1961-1962）、紐約（1963-1974）、舊金山（1974-1990）、波特蘭（1990-2002）、芝加哥（2002-2007）、洛杉磯（2007-），且按誠品畫廊的格局分為六間展覽。整個展覽手法基本循著創作時間掛置，但因策展人精準的選件原則，無論是藝術家不斷實驗各種媒材混搭的質地、現成物的操作，抑或風景、人等題材差異導致的多元性，在在烘托出巡禮藝術家逾半世紀藝術生涯的氛圍。
由於藝術家處境與生存條件有著直面生死議題的迫切性，反映在他真實且誠實的作品中，諸如骷髏頭、花朵等元素的使用自然有其相對應的象徵意思，因此透過描繪各種人像姿態，舉凡沒頭的身體、逃竄的身體、運動的身體，反而屆期心靈投射突顯了一種普世性的價值。王嘉驥指出：「顧福生的創作啟蒙是從個人的『身體』出發，直接訴諸其『當下性』，並以鮮明的扭曲及變形風格作為表現。」他的人體多是變形而拉長的，這樣的強烈表現至今仍然獨樹一格，具有憾人的視覺和情緒感染力。作為回應，顧福生說：「我畫的是人的深深內裡和外界的感受，人和人的關係，或是人和周圍環境的關係，和大自然的關係，人生是謎語，是夢幻，生命是多麼的脆弱。」
開幕當天，低調、害羞的顧福生試著解釋自己的創作脈絡，然而卻無法說完全那僅能意味無法言傳的部分。不過好在，好在欣賞其作品的人們照樣買單。展品掛好後的一週裡，不少藏家紛紛入場購藏，逾四分之一的作品說明卡上貼了粉紅小點。藝術家好友白先勇即買下曾是其小說《紐約客》封面的《玫瑰舞影》（1976），以及紐約時期一幅據稱一個晚上完成，且複合了報紙、鍋子刷具、衛生紙等材料的《河濱公園》（1969），定價248萬元。
（原文刊載於《典藏投資》2016，2月號）
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